En esta ocasión el protagonista ha sido el monte. «EL ALMA DEL MONTE. MANCHAS Y LÍNEAS».
Después de estudiar y ver a mi manera el monte en cada paseo, he ido aprehendiendo su movimiento, sus líneas y sus zonas oscuras.
Cuando voy por el monte, me atraen esas ramas cruzadas que van en todas las direcciones ; unas finas y otras gruesas, hacia arriba y abajo, lateralmente, unas que cuelgan del tronco y otras caídas.
Veo líneas entre manchas. Me interesa el trazo en movimiento con toda su energía. Trazo, línea y mancha.
VientoEquilibrio OtoñoPrimavera Otoño
Después de dos años de empaparme del monte, muestro mi trabajo en esta exposición donde podéis ver hasta 42 cuadros.
Me complace daros a conocer el trailer del corto DALI DELIRIUMS del director DAVID GIRALDO donde he trabajado como directora de arte y he realizado todos los bosquejos y pinturas del corto.
Un trabajo y cuadros con técnica y estilo diferente a lo habitual en mí. Más de un año de preparación y en época de la covid pero mereció la pena la experiencia.
En este enlace se puede ver el trailer.
Y os muestro algunas de las fotos del proceso antes del rodaje.
Un gran equipo de profesionales que lo dimos todo por DALI DELIRIUMS.
El actor JOSÉ LIFANTE murió antes de poder ver el estreno al público aunque pudo tener el animado aplauso en la presentación del corto al equipo e invitados.
Espero que os guste y mucha suerte al director DAVID GIRALDO.
No hay que ser agricultor para saber que una buena cosecha requiere de buena semilla, buen abono y riego constante. También es obvio que quien cultiva la tierra no se impacienta frente a la semilla sembrada, hablandola con el riesgo de echarla a perder ;gritándole con todas sus fuerzas :¡crece, por favor!
Hay algo muy curioso que sucede con el bambú japonés y que lo transforma en no apto para impacientes :siembra la semilla, la abonas, y te ocupas de regarla constantemente. Durante los primeros meses no sucede nada apreciable. En realidad, no pasa nada con la semilla durente los primeros siete años, a tal punto que, un cultivador inexperto estaría convencido de haber comprado semillas infertiles. Sin embargo, durante el séptimo año, en un período de tan sólo seis semanas la planta de bambú crece más de 30 metros. ¿Tardó sólo seis semanas en crecer? No, la verdad es que se tomó siete años y seis semanas en desarrollarse.
Durante los primeros siete años de aparente inactividad, este bambú estaba generando un complejo sistema de raíces que le permitirian sostener el crecimiento, que iba a tener después de siete años. Sin embargo, en la vida cotidiana, muchas veces queremos encontrar soluciones rápidas y triunfos apresurados, sin entender que el éxito es simplemente resultado del crecimiento interno y que esté requiere tiempo. De igual manera, es necesario entender que en muchas ocasiones estaremos frente a si en las que creemos que nada está sucediendo. Y esto puede ser hasta frustrante. En esos momentos, deberíamos recordar el ciclo de maduración del bambú japonés y aceptar que en tanto no bajemos los brazos ni abandonemos por no ver el resultado que esperamos, si está sucediendo algo, dentro nuestro… Estamos creciendo, madurando en lo que tenemos entre manos.
Quienes no se dan por vencidos, van gradual e imperceptiblemente creando hábitos y el temple que les permitirá sostener el éxito cu este al fin se materialice.
Si no consigues lo que anhelas, no desesperes… Quizá sólo estés echando raíces….
El texto citado lo tengo de hace mucho tiempo y me gusta recordarlo y darlo a conocer a mis alumnos y personas que empiezan con el sumie. Gracias por estar ahí!!
Es bonito e interesante comprobar que después de revisar pinturas de hace más de una década mantengo una misma línea de trabajo. Unas veces en acuarela, otras en sumie, en lienzo…
Siempre me ha interesado captar la esencia de lo que veo y transmitirlo a través de la mancha y la línea.
Os muestro una acuarela encontrada en la carpeta y sus fragmentos.
«Me preguntan:Qué clase de tinta hay que usar? Yo les contesto : Puedes usar tinta quemada, o puedes usar tinta de esa que ha sobrado de ayer, o tinta desteñida, o esa tinta en polvo que usan los chicos de escuela. En fin, si ninguna te sirve, busca otra».
Como dijo KUO HSI (1020-1090), lo importante es sentir que te sientes a gusto trabajando con los materiales que estés usando en ese momento y si no cambiarlos.
«La experiencia nos enseña que toda cosa hecha para ser vista de lejos, se trate de una pintura, de una escultura, o de lo que sea, resulta más bella hábilmente esbozada que que muy terminada. Y dejando aparte lo de la distancia, el mismo resultado se aprecia con frecuencia en esos apuntes rápidos que surgen del frenesí creador, logrados con pocos trazos, mientras que un exceso de industria y paciencia restan fuerza a la obra del artista que no sabe dejar las cosas en paz.» GIORGIO VASARI, comparando los estilos de Donnatello y Luca sella Robbia le vite, 1550
La frescura y fuerza que alcanza el trazo rápido y /o único se alcanza pasados días, meses y años de estudio y control mental. No son trazos a lo loco sin ton ni son. La abstracción no llega de un día para otro. A pesar de ser trazos enérgicos en el momento de pintar hace falta serenidad, concentración y saber soltarse para dejar libre al pincel.
Todos se sorprenden de lo mucho que pinto. Es que en vez de corretear de un lado para otro como la mayoría de los pintores que conozco, yo me encierro en mi estudio. EUGENE DELACROIX, Journal, 28 junio 1854.
A seguir trabajando cada uno con su Arte. Un saludo para todos los artistas!!
El pintor NI TSAN (1301-1374) escribió : lo que yo llamo pintura no es más que un jugueteo del pincel. Hace poco me di un paseo por un pueblo cercano. Me rodeó una turba de admiradores haciéndome encargos. Pero los cuadros los querían así o asá, y los querían para cierta fecha. Acabamos mal, con insultos y palabrotas.! Qué lástima!
Entiendo esa sensación de obligar a pintar de una manera determinada y no dejar que el pintor pueda expresar su arte y pinte de verdad desde su interior y se divierta dejando que juegue con su pincel. Cuando son encargos, ya es algo forzado pero remunerado.!Qué lástima!
Cuanto menos se sabe de arte y de pintura más se comenta «que bien pinta» para cuadros realistas. En mi opinión el realismo consiste en dedicarle horas y horas, medidas y fijarse bien en el modelo o foto que tengas delante. Cual es la creación en un cuadro realista? Es cierto que hay que saber bien cómo hacer los colores, saber de dibujo para la perspectiva pero le falta a mi entender, Vida, energía y espontaneidad.
Respeto el estilo y técnica de cada uno pero en mi caso disfruto más creando y experimentando con los colores y formas expresando mis imágenes interiores que copiando lo que está ahi y he podido hacer una foto.
Es lo mismo pintar que crear? Para mí, no. Cuando ese realismo se transforma como en el surrealismo ya es una creación.
Siempre he pensado y sentido como otros pintores que se crea una pintura como si se estuviera componiendo música. El espacio en blanco como si fuera los silencios tan necesarios para unir entre notas. Los vacíos o espacios en blanco completan junto con lo pintado la pintura. Los colores se van colocando teniendo en cuenta su fuerza o intensidad de luz a la vista y las líneas más o menos visibles. A veces nos molesta algún detalle porque sobresale de color o línea mal dibujada o situada y nos toca dar una pincelada aquí y allá hasta verlo armonioso, equilibrado y acabado.
En esta ocasión he pintado con tintas y rotulador sobre papel de acuarela en mi proyecto de pintura del monte.
PINTORA COSTAFREDA 